Que n’a-t-on déjà dit ou écrit sur Pablo Picasso ? Considér&e... + Lire la suite
Que n’a-t-on déjà dit ou écrit sur Pablo Picasso ? Considéré comme le plus grand artiste du XXe siècle, par son génie créateur, sa personnalité et sa longévité, il n’a cessé de fasciner ses contemporains. Quarante-quatre ans après sa mort, le musée du quai Branly – Jacques Chirac explore en profondeur une facette-clé de l’artiste dévoilant au grand public un « Picasso primitif ». Une tribune d'Emmanuelle Collignon, vice-présidente du Groupe de recherche Achac, en charge des expositions.
Présentant 300 œuvres dont 107 de Pablo Picasso, l’exposition Picasso primitif, conçue par Yves Le Fur, Directeur du département du patrimoine et des collections du musée du quai Branly-Jacques Chirac, s’intéresse à la relation de l’artiste avec les arts dits « primitifs ». Une production artistique qui, au passage, a toujours été problématique à nommer. En 1907, par exemple, année où Picasso visite le musée d’ethnographie du Trocadéro pour la première fois, on parle d’art « nègre » ou d’art ethnographique. Aujourd’hui encore, à l’aune de la décolonisation des regards, on peine à trouver une formule juste et consensuelle. Dans le catalogue qui accompagne l’exposition, les auteurs emploient largement les guillemets, parlant d’arts « non occidentaux » ou encore « extra-européens », comme si l’on n’avait toujours pas trouvé la formule idéale, définissant ces arts par la négation ou l’exclusion (« non » / « extra »). Au-delà de cette question épineuse, Yves Le Fur propose une exposition qui renverse les valeurs, dépassant les clivages géographiques, civilisationnels ou temporels : ici, Picasso est primitif parmi les primitifs, par opposition à « académique ». Les auteurs précisent dans le catalogue : « ‟Primitifˮ est entendu au sens primordial, au-delà des conventions, et susceptible d’être compris par tous, même si les créations de part et d’autres sont savantes ».
Le visiteur ainsi averti peut se plonger dans l’exposition. Un premier volet restitue, dans un parcours chronologique, les « rencontres » du peintre avec ces arts : les pièces qu’il a vues ou acquises et qui l’ont accompagnées tout au long de sa vie. On y voit une tête ibérique, première découverte au musée du Louvre, puis la Vierge polychrome qui le marque profondément lorsqu’il séjourne avec Fernande Olivier à Gosol (Espagne) à l’été 1906, mais aussi le fameux masque Fang acheté par André Derain ou encore le Tiki des îles marquises, l’une des premières acquisitions du maestro en 1907. On devine le choc visuel provoqué par ces pièces pour celui qui, à 14 ans, maîtrisait la peinture académique avec une telle aisance qu’il lui fallut toute une vie pour apprendre à « dessiner comme un enfant ». Le visiteur découvre ainsi les œuvres qui ont influencé directement ou indirectement son art, de 1907 jusqu’à sa mort en 1973. Des photographies d’archives attestent d’ailleurs de cette présence permanente, souvent dans un jeu de mise en scène facétieux avec, pour décor, les ateliers successifs de Picasso.
L’exposition se poursuit, dans un second temps, par un « corps à corps », une mise en « présences » d’œuvres africaines, océaniennes ou amérindiennes avec celles de l’artiste espagnol. Archaïsmes, stylisation des formes, métamorphoses plastiques, réversibilités et mises en abîmes ou encore assemblages : les explorations formelles et plastiques de Picasso font écho à celles d’artistes restés anonymes. Pour aiguiser le regard, le commissaire de l’exposition brouille les pistes en laissant les œuvres exister loin de leurs cartels. « Qui a fait quoi ? » se demande alors parfois le visiteur… Et c’est tout l’intérêt de ce parti pris scénographique : rendre hommage aux autres maîtres, ceux restés sans nom, en révélant ce qu’ils ont apporté à Picasso : les clés de la modernité.
NB : la série Artistes de France lui consacre un portrait, raconté par l’artiste Abd Al Malik.
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